WILLEM DE KOONING ВСЕ ОЩЕ ЗАСЛЕПЯВА | ИЗКУСТВА И КУЛТУРА | СМИТСОНИЪН - СТАТИИ, ИЗКУСТВА И КУЛТУРА, ИЗКУСТВО И ХУДОЖНИЦИ

През 1926 г. Вилем дьо Кунинг, 22-годишен търговски художник от Холандия, без пари, се е прибрал на кораб, пътуващ за Америка. Той нямаше документи и не говореше английски. След като корабът му акостира в Нюпорт нюз, Вирджиния, той тръгна на север с някои холандски приятели към Ню Йорк. Отначало той намери своя нов свят за разочароващ. „Това, което видях, беше нещо като Холандия“, спомня си той през 60-те години. "В низините. За какво, по дяволите, исках да отида в Америка? ”Няколко дни по-късно, докато Дьо Кунинг минаваше през ферибот и влаков терминал в Хобокен, Ню Джърси, той забеляза мъж на гишето, който налива кафе за пътуващите, като го срязва. в редица чаши. "Той просто се изсипа бързо, за да го напълни, без значение какво се разля, и аз казах:" Момче, това е Америка. "

От тази история

[×] ЗАКРИТЕ

Произведението на Вилем дьо Кунинг, показано тук, е Зоуи от Рут, 1957 г., разчита на постоянно преоткриване: „Трябва да се промениш“, често казва художникът, „да останеш същото“. (Семейната колекция Ovitz, Лос Анджелис © 2011 Фондация Willem de Kooning / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Сред художниците, появили се през 50-те и 60-те години, де Куонинг, показан тук през 1953 г., оспори категоризацията. (Тони Вакаро / akg-images)

Де Кунинг учи в Академията за изящни изкуства в Ротердам. „Класическото обучение ви освобождава да правите това“, по-късно той ще каже за абстрактната си работа. На снимката е неговият натюрморт от 1917 г., завършен на 13-годишна възраст (Частна колекция / © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

В Манхатън де Коонинг с Аршил Горки през 1937 г. е привлечен към художници модернисти. (Оливър Бейкър, фотограф. Документи Руди Блеш, Архив на американското изкуство, Смитсонов институция)

До 40-те години на миналия век Де Кунинг е започнал поредица от изследвания на фигурите за женски фигури, вдъхновени отчасти от Илейн Фрид, за която се жени през 1943 г. (Джон Джонас Груен / Архив на Хълтън / Гети Имиджис)

След Втората световна война авангардният кръг на Дьо Кунинг се доближава до статута на знаменитостите. На снимката е групата, в Life, 1950; Дьо Кунинг е на задния ред, горе вляво. (Нина Лийн / Снимки от времето на живота / Гети Имиджис)

Фигуралните елементи подчертават двусмисленото пространство в Аттик, 1949 г., един от поредицата следвоенни черно-бели композиции на де Коонинг. Дори най-абстрактните творби на художника, казва ученият Ричард Шиф, често „започват с препратка към човешката фигура“. (The Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 Фондация Willem de Kooning / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Дори светът на изкуството празнуваше своите абстракции, Дьо Кунинг пренасочи енергията си върху женската фигура, работи две години върху Жена I, 1950-52. "Красотата", каза художникът, "ми става непоколебима. Харесвам гротеската. По-радостна е." (The Museum of Modern Art, NY / © 2011 Фондация Willem de Kooning / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Де Кунинг напуска града през 1963 г. за Спрингс, Лонг Айлънд. Показва се тук де Коонинг на 81-годишна възраст в неговото студио през 1985 г. (© 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Късната работа на Де Кунинг черпи вдъхновение от морето. Показан тук е Clamdigger, 1972 г., който предизвиква плажни фуражи. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Снимка: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Фондация Willem de Kooning / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Чието име е написано във вода, 1975 г. от де Куонинг предполага океански повърхности. (Музей на Соломон Р. Гугенхайм, Ню Йорк / © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Седнал мъж, 1939 г., Вилем де Куонинг. (Подарък на художника чрез Фондация Джоузеф Х. Хиршхорн, 1972 г. / Музеят и градината на скулптурите в град Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Кралица на сърцата, 1943-1946 г., Вилем дьо Кунинг. (Подарък на Фондация Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурите на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Специална доставка, 1946 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Фондация Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурите на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Секретар, 1948 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Жена / Версо: Без заглавие, 1948 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Фондация Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурите на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Жена, 1964 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Жена, 1965 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Без заглавие III, 1981 г., Вилем де Куонинг. (Частичен подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, чрез размяна и Музейна покупка, 1982 г. / Музеят и градината на скулптурите на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Проучване за "Жена VI", 1952 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Без заглавие, 1949-1950 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Две жени в страната, 1954 г., Вилем де Кунинг. (Подарък на Джоузеф Х. Хиршхорн, 1966 г. / Музеят и градината на скулптурата на Хиршхорн; © 2011 Фондация Вилем дьо Кунинг / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Седнала жена на пейка, 1972 г. / актьорски състав 1976 г., Вилем де Куонинг. (The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 Фондация Willem de Kooning / Общество за права на художниците (ARS), Ню Йорк)

Фото галерия

Свързано съдържание

Защо Илейн де Куонинг пожертва собствената си невероятна кариера за по-известния си съпруг
Извисеното изкуство на Clyfford Still
Уейн Тибо не е поп изпълнител

Това беше и де Куонинг. От художниците, появили се в Ню Йорк през края на 40-те и началото на 50-те - Джаксън Полък, Марк Ротко и Барнет Нюман, сред тях - де Кунинг, който почина през 1997 г., остава най-труден за заснемане: Той е твърде жизнен, неспокоен, джази, груб и непредсказуем, за да се поберат във всяка една конкретна чаша. Той прекрачи много граници на изкуството, преливайки се между абстракция и фигурация за период от 50 години - изразявайки голямо разнообразие от настроения - без притеснения за конвенциите на нито консервативен, нито радикален вкус. Според Ървинг Сандлър, историк на изкуството, който е хронифицирал развитието на следвоенното американско изкуство, де Куонин е „успял да продължи великата традиция на западната живопис и да я отклони в нова посока, създавайки авангарден стил, който говори с нашето време. "

Ретроспективата на де Коонинг, която се отвори миналия месец в Музея за модерно изкуство (MoMA) - първият, посветен на пълния обхват на седемдесетгодишната кариера на художника - представя богата, нюансирана гледка на велик американски художник. За уредника на куратора Джон Елдърфийлд, който организира шоуто, начинанието беше необичайно лично: примамването на изкуството на де Куонинг помогна на родения в Англия роден Елдърфийлд да се установи в Америка. Той твърди, че Дьо Кунинг е художник на оригиналността, който е измислил нов вид модерно изобразително пространство, едно от неяснотата. Де Кунинг се стреми да запази както скулптурните контури, така и „изпъкналите, усукващи“ плоскости на традиционната рисунка на фигури, предполага Елдърфийлд, и плитката картинна плоскост на модернистичното изкуство, открита в кубистките произведения на Пикасо и Брак. Де Кунинг разработи няколко различни решения на този визуален въпрос, превръщайки се в художник, който никога не изглеждаше да спира да се движи и изследва. Той беше, в своя загадъчен обрат на израза, „хлъзгащ проблясък“.

През 50-те де Коонинг става най-влиятелният художник на своето време. „Той беше художник на художника“, казва Ричард Кошалек, директор на музея на Хиршхорн на Смитсониан, който има една от най-големите колекции от творчеството на Дьо Кунинг. „Той имаше голямо влияние върху много широк кръг художници.“ Брис Марден, художник, който беше обект на ретроспектива на MoMA от 2006 г., се съгласява: „Вие сте възпитани в де Кунинг. Той беше господарят. Той беше учителят. “За мнозина той беше и романтична фигура с външен вид на филмова звезда и екзистенциален разврат, докато пиеше в таверната„ Кедър “в Гринуич Вилидж с Поллок и премина от любовна връзка към любовна връзка.

Въпреки успеха си, Дьо Кунинг в крайна сметка плати цена за нежеланието си да следва преобладаващите тенденции. Неговото променящо се изкуство - особено грубото му изобразяване на жени - все по-често бива отблъсквано от критиците и историците на изкуството през живота му. Нещата, предполага Елдърфийлд, „се вписват лесно с онези произведения, за които се смята, че поддържат познатата модернистка история на все по-усъвършенстваната абстракция.“ Самите куратори в MoMA са склонни да смятат Дьо Кунинг след 1950 г. за художник в упадък, за което свидетелстват музеите собствена колекция, която е значително по-силна в Pollock, Rothko и Newman, отколкото в de Kooning.

Кавгата приключи: Сегашната ретроспектива прави промени. Сега гамата на Де Кунинг изглежда като сила, а съблазнителният му стил - „съблазнителен“ е подходящата дума, тъй като четката му е изпълнена с докосване - предлага живописна наслада, рядко срещана в изкуството на наши дни.

Де Куонинг израснал близо до пристанището в труден Ротердам. Рядко виждаше баща си, Ливърдър - родителите му се разведоха, когато беше малко момче - и доминиращата му майка Корнелия, която се грижеше за редица заведения, постоянно местеше семейството си в търсене на по-евтино жилище. Тя редовно го бие. Парите бяха кратки. На 12-годишна възраст той става чирак в Gidding and Sons, елегантна фирма от художници и занаятчии в сърцето на модния Ротердам, специализирана в дизайна и декорацията. Скоро хвана окото на собствениците на фирмата, които го призоваха да ходи на часове след работа шест нощи в седмицата в градската Академия за изящни изкуства.

В резултат на това Де Коонинг получи силно основание както в търговския дизайн, така и в класическите принципи на високото изкуство. Беше преждевременно; ретроспективата в MoMA включва забележителния натюрморт (1917), който той направи в Академията на 13-годишна възраст. Той обаче трябваше да се издържа. На 16-годишна възраст Дьо Кунинг се удари сам, обикаляйки по бохемските краища на Ротердам и вдигайки работа тук-там. Той също така започва да фантазира за Америка, след това считан от мнозина в Европа за митична земя на небостъргачи, филмови звезди и лесни пари - но не, може би, на изкуството. Когато се прибра на камиона, по-късно де Кунинг си припомни, че не смята, че в Америка има сериозни художници.

В първите си години в Америка, първоначално в Хобокен, Ню Джърси, а след това в Ню Йорк, той живееше толкова, колкото имаше в Ротердам, намирайки работа като търговски художник и от време на време рисува в свободното си време. Той откри, че всъщност има сериозни художници в Америка, много от които също се заеха с търговска работа, за да оцелеят. Той започна да прекарва времето си в кафенетата, които предпочитаха в Челси и Гринуич Вилидж, разговаряйки през нощта над никелови чаши кафе. Почти всеки, когото познаваше, беше беден; продажбата на картина беше рядка. В тази среда постоянният ангажимент на някои художници - преди всичко отдадеността на Аршил Горки към традицията на модернистичната живопис - имаше силно отражение върху Дьо Кунинг.

Горки, роден в Армения имигрант, нямаше търпение за онези, които не се ангажираха безрезервно с изкуството. Той също нямаше време за онези, които смяташе за провинциални или второстепенни в амбициите си, като тези, които романтизират селска Америка или нападат социална несправедливост. („Пролетариатското изкуство“, каза Горки, „е лошо изкуство за бедните хора.“) Според Горки, ако сте били сериозни, сте изучавали работата на модернистически майстори като Пикасо, Матис и Миро и сте се стремели да равнявате или по-добре техните постигне-среда. Съвременниците описаха ателието на Горки на Юниън Скуеър като вид храм на изкуството. „Голямото вълнение на площад„ Юнион Скуеър “, казва Етел Швабахер, студент и приятел на Горки, „ се крие в усещането, че предизвиква свършена работа там, работа в течение на ден и нощ, през дълги години страстни, дисциплинирани и всеотдайни усилие."

Примерът на Горки, заедно със създаването на Федералния проект за изкуство, който изплаща на художниците прехраната на заплатите по време на Депресията, най-накрая доведе Де Кунинг да се ангажира да бъде художник на пълен работен ден. През 30-те години Горки и де Кунинг стават неразделни; постоянните им дискусии за изкуството помогнаха на всеки да се превърне в главен художник. Де Кунинг, борейки се да създаде свеж вид образно изкуство, често рисува уа, меланхолични портрети на мъже и по-рядко на жени. Той работеше и преработваше снимките, опитвайки се да съгласува класическата си подготовка със своите модернистични убеждения. Може да позволи на една снимка да напусне ателието си, ако приятел я купи, тъй като хронично му липсваха пари, но той отхвърли повечето от своите платна с отвращение.

В края на 30-те де Коонинг се срещна с млада студентка по изкуство на име Елейн Фрид. Двамата щяха да се оженят през 1943 г. Фрид беше не само красива, жизнеността й съответстваше на резервата на де Кунинг. Никога не се скарайте с лукса, обичаше да казва, че необходимото ще се погрижи за себе си. Една от приятелите й, художничката Хеда Стерн, я определи като „смелчак“. „Тя вярваше в жестове без съжаление и се възхищаваше на собствената си спонтанност и разточителност“, каза Стърн. „Много ми беше забавно“, ще си спомни по-късно Илейн. „Искам да кажа, много забавно.“ Тя също смяташе де Кунинг за главен художник - много преди да стане такъв - което може би укрепи доверието му.

Свежо усещане за женската фигура, без съмнение, вдъхновено от Илейн, започна да преминава през изкуството на де Коонинг. Цветът се озари. Границите отпаднаха. Вече не изглеждаше ограничен от класическото си обучение: жените на картините сега заплашваха да се разпаднат и да се разпаднат; отличаването на фигурата от земята стана на места трудно. Художникът започваше да овладява двусмисленото си пространство. Изглеждаше естествено, че де Кунинг, който инстинктивно предпочиташе движението на неподвижност и не смяташе, че истината на фигурата се крие само в повърхностния й вид, ще започне да се измества по континуум от представителното към абстрактното. Но дори и най-абстрактните му снимки, както е отбелязал ученият от Де Кунинг Ричард Шиф, „или са започнали с препратка към човешката фигура или са включени фигурални елементи по пътя“.

Движението на Де Кунинг в края на 40-те към по-малко реалистично изобразяване на фигурата може би е било предизвикано отчасти от пристигането в града по-рано през десетилетието на редица известни парижки художници, по-специално Андре Бретон и неговия кръг от Сюрреалисти, всички бежанци от войната. Де Куонинг по принцип не е почитател на сюрреализма, но акцентът на движението върху несъзнавания ум, мечти и вътрешен живот би засилил собственото му нетърпение с чисто реалистично изобразяване на света. Сюрреалистите и техният покровител, социалистът Пеги Гугенхайм, направиха голям плясък в Ню Йорк. Самото им присъствие вдъхнови амбиция у американските художници.

И все пак де Куонинг остана на маржовете. Федералният арт проект вече не съществуваше и имаше почти никакъв пазар за модерно американско изкуство. Именно в този мрачен период Дьо Кунинг започва своята велика поредица от черно-бели абстракции. Той и неговият близък приятел, художникът Франц Клайн, неспособни да си позволят скъпи пигменти, един ден знаменито излязоха и купиха евтина черно-бяла емайлова боя за бита и (според легендата) с изоставяне от дявол-май-грижа започнаха да се превръщат в големи работи. Разбира се, не беше толкова просто. Дьо Кунинг се беше трудил дълги години, за да достигне този момент; и по някакъв начин момента, в който го намери. Ужасът на Втората световна война - и разказите за холокоста, излизащ от Европа - създаде ново схващане сред Дьо Кунинг и някои американски художници с голям, макар и мрачен, метафизичен мащаб. (Те също имаха пред очите си, в MoMA, мощната монохроматична Герника от Пикасо от 1937 г., отговорът му на фашистката бомбардировка над испанския град.) За разлика от техните европейски съвременници, американците не живееха сред руините на войната и те произхождат от култура, която празнува безграничност на Уитманска. Де Кунинг, чийто град по рождение е бил затънал в развалини по време на войната, беше както европейски, така и американски, добре позициониран да прави картини от тъмно величие. През 1948 г., когато е на почти 44 години, той излага така наречените „черно-бели“ в малката и малко посещавана галерия на Игън. Това беше първото му самостоятелно шоу. Малко картини са продадени, но те бяха широко забелязани и възхитени от художници и критици.

И в края на 40-те години Джаксън Полък започва да прави легендарните си „капещи“ абстракции, които рисува на пода на ателието си, като тъче ритмични чисти от боя върху платното. Картините на Поллок, също главно черно-бели, имаха много различен характер от този на Де Кунинг. Макар и като цяло абстрактни, възловистите картини на Де Кунинг останаха пълни с огледани човешки части и жестове; Поллок предаде трансцендентно усещане за освобождаване от света. Заглавията на двете най-велики картини в черно-бялата поредица на Де Коонинг „ Атик и разкопки “ подсказват, че художникът няма намерение да забравя какво погребва или отклонява светът. (De Kooning без съмнение се радваше на изместващите се последици от заглавията. Таванското помещение например може да се позове на действително таванско помещение, да предложи височините на небето или да си припомни древна Гърция.) Всяка картина е пълна с фигурален инцидент - завъртане на рамото тук, подуване на тазобедрената става там, но конкретно тяло не може да се различи в нито едното. "Дори абстрактните форми", каза де Куонинг, "трябва да имат подобие."

Де Кунинг завърши разкопките, последната му и най-голяма картина от поредицата, през 1950 г. След това директорът на MoMA Алфред Бар избра картината, заедно с творби на Поллок, Горки и Джон Марин, за да представи САЩ на Биеналето във Венеция —Сигнална чест за всички четирима американски модернисти. Журналистите започнаха да забелязват. Полок беше обект на разпространение на снимки в списание Life през 1949 г. Светлината на знаменитостта започваше да се фокусира върху онова, което беше неясен кът на американската култура. Галерията на Сидни Джанис, която се специализира в европейски майстори, сега започна да представя Де Кунинг и други американски художници като достойни наследници на Пикасо или Мондриан. Критиците, кураторите и търговците на изкуство все повече започват да твърдят, че там, където става въпрос за изкуство, Ню Йорк е новият Париж.

До началото на 50-те години Де Коонинг е художник с все по-голяма известност с абстрактния стил със син чип. Повечето негови съвременници вярваха, че ще продължи да произвежда картини в този стил. Но в едно от най-противоречивите и независими действия в историята на американското изкуство той се отказа от черно-белите си абстракции, за да се съсредоточи главно отново върху женската фигура. Той се бореше над едно платно почти две години, приятелите му все повече се тревожеха за благосъстоянието му, докато той непрекъснато ревизираше и изстъргваше изображението. Най-накрая остави картината в отчаяние. Единствено намесата на влиятелния историк на изкуството Майер Шапиро, който поиска да го види по време на посещение в студио, убеждава де Куонинг да атакува платното още веднъж - и заключи, че той е завършил Жена I (1950-52). След това, в бърза последователност, той завърши още няколко картини на Жена .

Де Кунинг описа Жена I като ухилена богиня - „по-скоро като месопотамските идоли“, каза той, „който винаги се изправя, гледайки към небето с тази усмивка, сякаш те просто се учудиха на силите на природата ... не за проблемите, които имаха помежду си. ”Неговите богини бяха сложни: наведнъж плашещи и смешни, древни и съвременни. Някои критици ги оприличиха на холивудските бимбо; други ги смятаха за работа на мизогинист. Скулпторът Исаму Ногучи, приятел на Дьо Кунинг, разпознава тяхната амбивалентност: „Чудя се дали наистина мрази жените“, каза той. „Може би той ги обича твърде много.“ Голяма част от усложненията идват от летливата смес от вулгарност и изисканост в работата на Де Кунинг. „Красавицата“, каза веднъж де Куонинг, „ми става непоколебима. Харесвам гротеската. По-радостно е. “

Не е изненадващо, че Дьо Кунинг се съмняваше, че шоуто му за скорошна работа през 1953 г. ще бъде успешно, а водещият арт критик на онова време, Клемент Грийнбърг, смята, че де Кунинг се е объркал погрешно със сериала „ Жената “. Голяма част от изненадата на Дьо Кунинг обаче, шоуто постигна успех не само сред много художници, но и сред публиката, все по-нетърпелива да приеме американската живопис.

Де Куонинг изведнъж се озова звезда - първата знаменитост, може би, в съвременния американски свят на изкуството. Единственият художник в началото на 50-те години с подобен или по-голям ръст беше Джексън Поллок. Но Полък, след това изпаднал в напреднал алкохолизъм, е живял главно в Спрингс (махала близо до Ийст Хемптън на Лонг Айлънд) и рядко е бил наблюдаван в Манхатън. Следователно светлината на прожекторите се съсредоточи върху де Куонинг, който се превърна в център на оживена сцена. Мнозина го намериха за неустоим, с холандския си моряшки външен вид, идиосинкратичния счупен английски и очарователен акцент. Той обичаше американския сленг. Той би нарекъл снимката „страхотна“ или приятел „горещ картоф“.

В този парников свят де Куонинг имаше много заплетени любовни отношения, както и Илейн. (Двамата се разделиха през 50-те, но никога не се разведоха.) Афера на Де Кунинг с Джоан Уорд, търговски художник, доведе до раждането през 1956 г. на единственото му дете Лиза, на което винаги е бил посветен - макар че никога не е станал много на ежедневен баща. Той също имал дълга връзка с Рут Клигман, която била приятелка на Поллок и преживяла автомобилната катастрофа през 1956 г., при която загинал Полок. Клигман беше едновременно амбициозен художник, който копнееше да бъде муза на важен художник, и страшна млада жена, която предизвикваше звезди като Елизабет Тейлър и Софи Лорен. "Тя наистина сложи олово в молива ми", каза де Кунинг знаменито.

След поредицата „ Жената “, де Коонинг разработи поредица от абстракции (най-известният е Великденски понеделник ), които улавят мрачното, буйно усещане за живота в Ню Йорк в средата на века. В по-късните 50-те той опрости хода на четката. Сега дългите широки слоеве боя започнаха да се носят по платното. Той прекарваше все повече време в Спрингс, където много от приятелите му имаха летни места. Снимките от края на 50-те често намекват за светлината и цвета на селските райони, докато съдържат, разбира се, образни елементи. Зоуи на Рут (1957) има един вид декларативен елан и увереност. (Kligman предостави заглавието, когато влезе в студиото на De Kooning и, като видя снимката, възкликна „Zowie!”) Самият De Kooning никога не се е научил да кара кола, но обичаше да пътува по новите американски магистрали. През 1959 г. светът на изкуството мотивира отварянето на галерията на това, което понякога се нарича негова магистрална поредица: големи, смело разкрасени пейзажи.

Де Куонинг никога не е бил напълно удобен като знаменитост. Винаги оставаше отчасти бедно момче от Ротердам. (Когато беше запознат с г-жа Джон Д. Рокфелер III, която току-що купи Жена II, той подгъна и се обели и след това избухна: „Приличате на милион долара!“) Както много от съвременниците му, той започна да пие силно., В пика на своя успех към края на 50-те години на миналия век де Кунинг е пияч, който понякога изчезва за повече от седмица наведнъж.

През 50-те много млади художници имитираха де Кунинг; критиците ги наричаха художници от второ поколение - тоест последователи на пионери като де Куонинг. През 60-те обаче светът на изкуството бързо се променя, тъй като поп и минимални артисти като Анди Уорхол и Доналд Джъд внесоха прохладна и познаваща ирония към изкуството, което е чуждо на буйната чувствителност на Де Кунинг. Тези млади художници не искаха да бъдат „второ поколение“ и те започнаха да отхвърлят работата на по-възрастния художник като твърде разхвърляна, лична, европейска или, както може да се каже де Коонинг, стара шапка.

През 1963 г., когато де Куонинг наближава 60-годишна възраст, той напуска Ню Йорк за Спрингс с Джоан Уорд и дъщеря им. Животът му на Лонг Айлънд беше труден. Той беше даден на меланхолия и негодуваше, че се третира като художник, изоставен от историята. Той все още ходеше на периодични огъвания, което понякога завършваше с приемането му в болницата в Саутхемптън. Но изкуството му продължава да се развива по необикновени нови начини.

Де Куонинг се потопи в провинцията на Лонг Айлънд. Той построи голямо, ексцентрично студио, което оприличи на кораб, и той се превърна в позната фигура около Спрингс, с велосипед по пясъчните пътища. Неговата фигурална работа от 60-те често беше смущаваща; вкусът му към карикатурата и гротеската, очевиден в „ Жена I“, се открива и в такива сексуално заредени произведения като „Посещението“ (1966–67), мокра и сочна картина на ухилена жена-жаба, лежаща по гръб. В по-абстрактните му снимки женското тяло и пейзажът все повече сякаш се слеят в разхлабената, водниста боя.

Де Куонинг също започва да прави изключително тактични фигуративни скулптури: Clamdigger (1972) сякаш е издърпан от първобитното ухо. Следващите картини, като ... Чието име беше написано във вода (1975 г.), бяха не по-малко тактилни, но нямаха същата мътност. Екстатични изригвания на вода, светлина, отражение, боя и телесно усещане - може би отражение отчасти на страстта на Дьо Кунинг към последната голяма любов в живота му, Емили Килгор - картините изглеждат като нищо друго в американското изкуство. И все пак, в края на 70-те де Кунинг рязко и обикновено завършва поредицата. Снимките, каза той, идваха твърде лесно.

И в края на 70-те години де Кунинг за пръв път започна да проявява признаци на деменция. Съпругата му Илейн, която се върна в живота си по това време, започна да го наблюдава внимателно. Все по-често, докато се носеха 80-те години, той щеше да зависи от помощници, които да придвижват своите платна и да разнасят боите си. Някои критици пренебрегват все по-резервните картини от този период. Elderfield обаче се отнася към късния стил с уважение. В най-доброто от късните произведения изглежда де Коонинг следва ръката му, неподражаемият ход на четката, освободен от всякакъв товар и все пак жив, както винаги. "Тогава има време в живота", казва той през 1960 г., когато се умори от Ню Йорк, "когато просто се разхождате: и ходите в собствения си пейзаж."

Де Кунинг умира на 19 март 1997 г. в студиото си на Лонг Айлънд, на 92-годишна възраст. Той измина огромно разстояние през дългия си живот, движейки се между Европа и Америка, стар господар и модернист, град и страна. Изкуството на Де Кунинг, казва художникът Робърт Даш, "винаги изглежда сбогом". Самият Де Куонин обичаше да казва: "Трябва да се промениш, за да останеш същия."

Марк Стивънс е съавтор със съпругата си Аналин Суон от носителя на наградата „Пулицър де Куонинг: Американски майстор“ .