Лий Краснър беше постоянен новатор, стигайки дотам, че режеше и рециклира по-ранни произведения, които вече не отговарят на високите й стандарти. Тя прегърна кубисткия стил, популяризиран от Пабло Пикасо, „всеобхватния” подход на абстрактния експресионизъм и цветната форма на колаж, наблюдаван в творчеството на Анри Матис в края на кариерата - но нейната гъвкавост отдавна се пренебрегва от света на изкуствата, който твърде често се класифицира тя като ресничен персонаж в американските абстрактни експресионистични среди, по-известна като послушната съпруга на Джексън Поллок.
Предстояща изложба в лондонската художествена галерия Barbican се стреми да прекрои образа на Краснър, опирайки се на почти 100 творби, за да проследи траекторията на нейната граница, 50-годишна кариера. Озаглавен Лий Краснър: Жив цвят, ретроспективата представя ранни автопортрети, рисунки с дървени въглища, мащабни абстрактни картини, колажи и селекции от известната поредица „Малки образи“.
Роден на руски имигранти през 1908 г., Краснер решава да стане художник на 14-годишна възраст, записвайки се в единствения местен курс по изкуство, отворен за момичета по онова време. Както асистентът по изложбата Шарлот Флинт пише в блог публикация на Барбикан, младият местен жител на Бруклин бързо изостави традиционните стилове, като вместо това предпочете смелите модерни движения, създадени от Пикасо, Матис и подобни авангардни художници.
Лий Краснър, „Мозаечна маса“, 1947 г., частна колекция (© Фондация Поллок-Краснер. С любезното съдействие Майкъл Росенфелд Галерия LLC, Ню Йорк) 
Лий Краснър, "Абстракт № 2", 1947 г., Център IVAM, Испания (© Фондация Поллок-Краснер. С любезност IVAM) 
Лий Краснър, "Палиненеза", 1971 г. (© Фондация Поллок-Краснер. Галерия от Касмин, Ню Йорк) „Известна с жестоко независимия си поток, Краснър беше една от малкото жени, проникнали в Нюйоркската школа през 40-те и 50-те години на миналия век“, пише Мередит Менделсон в редакция на „ Арси “. Краснер, вече утвърдена фигура на местната художествена сцена, се срещна с бъдещия си съпруг на изложба от 1941 г., където и двамата имаха на показ произведения. Двойката се омъжва през октомври 1945 г. и скоро се премества в селска селска къща в Ийст Хемптън, където могат по-добре да се съсредоточат върху занаята си. Докато Поллок беше зает със създаването на характерните си панорамни капелни картини, тя беше съсредоточена върху производството на калейдоскопските си платна.
Според Рейчъл Кук на Guardian, двойката е била отчуждена по времето на фаталната катастрофа на 1956 г. на Поллок. След ден на пиене, художникът позорно изгуби контрол над волана, убивайки себе си и Едит Мецгер, рецепционистка на Рут Клигман (художник и любовница на Поллок по това време), при удара; Клигман, който също беше в колата, по чудо оцеля при катастрофата.
След смъртта на Поллок, Краснър се премести в ателието си - „няма смисъл да го оставя да стои празен“, каза тя по-късно - и започна да изработва огромни картини, които изискват тя да скочи през плевнята, докато притежава дълга дръжка, четка, идеална за маневриране в далечни ъгли.
„Беше почти така, сякаш се беше разгърнала“, пише Кук. „Отсега нататък тя може да работи в безпрецедентен мащаб.“
Според „Менделсън“ на Арци, „Картините на умбър “ на Краснер - известни още като „Нощни пътешествия“, платна с неутрален тонус датират между 1959 и 1962 г. - бележи повратна точка в кариерата й. Измъчен от безсъние, свързано със смъртта на Поллок и последвалата смърт на майка й през 1959 г., Краснер измества стилове, произвеждайки картини с това, което историкът на изкуството Дейвид Анфам нарича преди това невиждана „степен на психологическа интензивност“, белязана от „емоционален мащаб и ожесточено движение“. произведения, представени в хаотични вихри от кафяво, кремаво и бяло, се различаваха драматично от популярните по онова време абстрактни картини на Color Field. За разлика от приглушените, ведри платна на Марк Ротко и Барнет Нюман, най-новите творения на Краснър бяха жестоки, откровено агресивни по начин, подсказващ капковите картини на починалия й съпруг.
Лий Краснър, "Imperative", 1976. Национална художествена галерия, Вашингтон (© Фондация Поллок-Краснър. Национална художествена галерия, предоставена от Вашингтон) След „Умбърни картини“ Краснър се върна в света на живите цветове - ход, демонстриращ желанието й да се преоткрие.
„Фиксираният образ я ужасяваше“, казва кураторът Елеонора Наирн, Джо Джоун Таунд. „Тя почувства, че е неистински жест да мисли, че някои особени образи могат да съдържат всичко, което е тя като личност. Тя премина през тези цикли на работа и тези ритми и често беше много болезнен процес. "
През цялата си кариера Краснер често се връщаше към по-ранни творби. Вместо да се възхищава на предишните й постижения, обаче, тя напълно ги промени, изрязвайки и реорганизирайки фрагменти, за да създаде нови парчета.
Без заглавие неокубистката творба, създадена през 1984 г., годината на нейната смърт, може би най-добре олицетворява постоянното търсене на Краснер за преоткриване. Както пише Филип Барсио на IdeelArt, платното (последната му известна творба) смесва живопис, рисуване с въглен и колаж, синтезирайки много медиуми, които художникът е използвал през живота си в „единично, дълбоко и елегантно изявление.“
Лий Краснър: Живият цвят се вижда в лондонската художествена галерия Barbican от 30 май до 1 септември 2019 г.
