Всички тенденции стават по-ясни с времето. Гледайки изкуството дори на 15 години, „можете да видите моделите малко по-добре“, казва Мелиса Хо, асистент-куратор в музея на Хиршхорн. „Има по-големи, по-дълбоки тенденции, които имат отношение към това как живеем в света и как го преживяваме.“
И така, какво точно е съвременното изкуство? Въпросът, според нея, е по-малко отговорен, отколкото безкрайно обсъждан.
Технически, казва Хо, съвременното изкуство е „културният израз на историческия момент на модерността.“ Но как да разгърнете това твърдение, се оспорва. Един от начините за дефиниране на съвременното изкуство или нещо наистина е описването на това, което не е. Традиционната академична живопис и скулптура доминира през 17, 18 и 19 век. „Ставаше дума за перфектна, безпроблемна техника и използване на тази перфектна, безпроблемна техника за изпълнение на много добре установена тема“, казва Хо. Имаше йерархия на жанрове - от исторически картини до портрети до натюрморти и пейзажи и много строги представи за красота. „Част от триумфа на модернизма е преобръщането на академичните ценности“, казва тя.
В известна степен на обратна връзка към традиционното академично изкуство, модерното изкуство е свързано с личната изява. Въпреки че не винаги е било така в исторически план, обяснява Хо, „сега изглежда почти естествено, че начинът, по който мислите за произведения на изкуството, е израз на индивидуална визия.” Модернизмът обхваща огромно разнообразие от художници и видове изкуство. Но стойностите зад парчетата са почти еднакви. „Със съвременното изкуство има този нов акцент върху стойността да бъдеш оригинален и да правиш нещо иновативно“, казва Хо.
Едуард Мане и импресионистите се считаха отчасти за модерни, защото изобразяваха сцени от съвременния живот. Индустриалната революция донесе хора в градовете и се появиха нови форми на свободното време в градския живот. Вътре в галериите на Хиршхорн, Хо посочва „ Хората от Чилмарк “ на Томас Харт Бентън, картина от маса от заплетени мъже и жени, леко напомняща на класическия Микеланджело или прочутия сал на Медуза Теодор Героко, с изключение на това, че това е съвременна плажна сцена, вдъхновен от град Масачузетс, където Бентън обобщи. Ringside Seats, картина на боксов мач на Джордж Беллоус, виси наблизо, както и три картини на Едуард Хопър, една озаглавена Оркестър от първи ред на театрали, които чакат да бъдат изтеглени завесите.
В изкуството на Ренесанса висока премия се поставя върху имитиращата природа. „Тогава, след като е отрязан, абстракцията е разрешена да процъфтява“, казва Хо. Работи като Benton's и Hopper са комбинация от наблюдение и изобретение. Кубистите в началото на 1900 г. започват да играят с пространството и формата по начин, който изкривява традиционната живописна гледка.
Историците на изкуството често използват думата „автономна“, за да опишат съвременното изкуство. „Езичният език би бил„ изкуство заради изкуството “, обяснява Хо. „Не е необходимо да съществува за всякакъв вид полезна стойност, различна от неговата собствена екзистенциална причина за това.“ И така, оценката на съвременното изкуство е различен звяр. Вместо да се питате, както може би с картина по история, за разказ - кой е главният герой? И какво е действието? - оценяването на картина, да речем, от Пиет Мондриан, става по-скоро за композицията. „Става въпрос за композиционното напрежение - казва Хо“, официалният баланс между цвят и линия и обем от една страна, но също така и изключително екстремната чистота и строгост на него. “
Според Хо някои казват, че модернизмът достига своя връх с абстрактния експресионизъм в Америка през ерата на Втората световна война. Всеки художник на движението се опита да изрази своя индивидуален гений и стил, особено чрез докосване. "Така че получавате Джаксън Поллок с неговата капеща и хвърляща боя", казва Хо. „Получаваш Марк Ротко с неговите много светещи, тънко боядисани цветни полета.“ И за разлика от невидимата рисунка в силно остъклени академични картини, щрихите в картини на Вилем де Куонинг са разхлабени и понякога дебели. „Наистина можете да усетите как е направено“, казва Хо.
Малко след Втората световна война обаче идеите, движещи изкуството, отново започват да се променят. Постмодернизмът се отдръпва от съвременния фокус върху оригиналността, а работата е умишлено безлична. „Виждате много работа, която използва механични или квазимеханични средства или бюрократични средства“, казва Хо. Анди Уорхол например използва копринен екран, като по същество премахва прякото му докосване и избира предмети, които играят идеята за масово производство. Докато съвременни художници като Марк Ротко и Барнет Нюман са направили цветови избор, който е предназначен да се свърже емоционално с зрителя, постмодерните художници като Робърт Раушенберг въвеждат шанс в процеса. Раушенбург, казва Хо, беше известен с това, че купува боя в немаркирани кутии в магазина за хардуер.
„Постмодернизмът е свързан с деконструкцията на идеята:„ Аз съм артистичният гений и имаш нужда от мен “, казва Хо. Изпълнители като Сол Левит и Лорънс Вайнер, с произведения в „Хиршхорн“, още повече свиват авторството. Парчето на Вайнер, озаглавено „КЪМ ГОЛЕМЕН БОЛЪТ НА МОРЕ, Кат. № 146 “, например, е показан в музея с големи, сини, без серифни надписи. Но Вайнер беше отворен за възпроизвеждането на седемте думи във всеки цвят, размер или шрифт. „Можехме да вземем маркер и да го запишем на стената“, казва Хо. С други думи, Вайнер смята ролята си на художник повече за концепцията, отколкото за производството. По същия начин, някои от рисунките на LeWitt от края на 60-те години са основно рисунки по инструкция. Той дава инструкции, но всеки, на теория, може да ги изпълни. „В това поколение след войната съществува някаква тенденция към демократизиране на изкуството“, казва Хо. "Подобно на рисунката на Сол Левит, това мнение е, че всеки може да направи изкуство."
Етикети като „модерни“ и „постмодерни“ и се опитват да определят начални и крайни дати за всеки период, понякога дразнят историците на изкуството и кураторите. "Чувал съм всякакви теории", казва Хо. „Мисля, че истината е, че модерността не се е случила на определена дата. Именно тази постепенна трансформация се случи за няколкостотин години. ”Разбира се, два пъти, които по практически причини трябва да бъдат определени, са когато преподават курсове по история на изкуството и организират музеи. По опит на Хо, модерното изкуство обикновено започва около 1860-те, докато постмодерният период се корени в края на 50-те години.
Терминът „съвременен“ не е привързан към исторически период, както са модерни и постмодерни, а вместо това просто описва изкуството „на нашия момент“. В този момент обаче работата, датираща от около 1970 г., често се смята за съвременна. Неизбежният проблем при това е, че тя създава непрекъснато разширяващ се съвременен труд, за който са отговорни професори и куратори. „Просто трябва да следите как вървят тези неща“, съветва Хо. "Мисля, че те ще бъдат предефинирани."
