Смъртта на живописта е предсказана за първи път в средата на 19 век, когато появата на фотографията сякаш изважда реалността от ръката на художника. „Ако на фотографията бъде позволено да се застъпи за изкуството в някои от нейните функции“, пише френският поет и изкуствовед критик Шарл Бодлер през 1859 г., „скоро тя ще го измести или повреди напълно“. Художниците се опитват да се справят с последиците от фотографията.
Импресионистите като Моне и Реноар, отхвърляйки статичните, механични изображения на фотографиите, както и застоялата академична живопис на своето време, си поставят за цел да нарисуват собствените си впечатления от това как окото възприема светлината и атмосферата в природата. Някои от техните съвременници, включително Дега и Тулуза-Лотрек, предприеха различно решение. Те започнаха да използват фотографии за вдъхновение - изрязват изображенията си, както може например камерата, и въвеждат изкривявания на перспективата въз основа на обектива на камерата.
Тогава, преди сто години, Матис и Пикасо направиха радикалните картини, които биха определили нова ера на съвременното изкуство. Матис обезобразява фигурата с изпъкналата си Blue Nude през 1907 г., рисувайки от снимка, за да освободи въображението си и да наруши навиците, формирани от рисуване от живота. Пикасо също използва снимки, за да нарисува 1907 г. „ Les Demoiselles d'Avignon“, като всяка фигура изглежда като многократна експозиция, гледана от различни ъгли едновременно - решаваща стъпка към кубизма.
С напредването на 20-ти век художници като Уасили Кандински и Джаксън Поллок изоставят концепцията за изкуството като репрезентация, произвеждайки платна, които не съдържат никакви разпознаваеми предмети. В техните „абстрактни“ творби самата боя стана тема. До 60-те години на миналия век концептуалните художници - вдъхновени от Марсел Дюшан и други дадаисти от 20-те години на миналия век - възприели мнението, че изкуството трябва да се цели в ума, а не в окото, превръщайки картини, в които идеята зад произведението е по-важна от самата творба., С няколко очевидни изключения - поп арт, фотореализъм и художници като Дейвид Хокни - представителното или образното изкуство до голяма степен се смята за нещо от миналото до края на 20 век. Но през последните години редица съвременни художници започват да се връщат към корените на съвременното изкуство, за да намерят нови форми на изява. Те смесват човешката фигура и други разпознаваеми форми с елементи на абстракция и двусмислен разказ по начини, които не са виждани досега.
"Вълнението около моята професия в момента е огромно", казва Йоахим Писаро, уредник на живопис и рисуване в Нюйоркския музей за модерно изкуство. "Преди тридесет години се говореше всичко за края на рисуването. Днес никой не се интересува от това." За младото поколение той казва, че „поляризацията между абстракцията и представянето, съществувала през последната половина на 20 век, е просто безсмислена. Това, което виждаме сега, е много интересно. И напълно ново“.
Разпръснати от Бруклин до Тринидад до Лайпциг, Германия, художниците, представени на тези страници, подновяват "вярата в рисуването", казва Лора Хоптман, старши уредник в Новия музей на съвременното изкуство в Ню Йорк.
Питър Дойг
„Когато хората започнаха да се интересуват от моята работа в края на 80-те години, рисуването беше напълно извън дневния ред“, казва Питър Дойг, 49-годишен шотландец, живеещ в Тринидад. "Това, което галериите смятат за авангардно, е изцяло концептуално - рисуване за живопис, изкуство, което казва нещо за начина, по който е направено. Нарочно съм работил срещу това. За мен, щом си художник, непрекъснато се принуждаваш да гледаш светът като потенциална тема за рисуване. И това преминава от това да видиш нещо на улицата, да видиш нещо във филм, в списание, наистина всичко. "
Студиото на Doig, в обновена дестилерия на ром в столицата на Тринидад, пристанище на Испания, е пълно с големи платна, изобразяващи пейзажи, подобни на джунгла, размазани с боя реки и нееднозначни фигури. Когато той напусна Лондон, за да се премести в Тринидад през 2003 г., много от приятелите му го нарекоха „прави гоген“, след френския художник Пол Гоген, който се премести в Таити през 1891 г., за да стане едно цяло с природата. Стилът на Дойг понякога се сравнява с този на Гоген, но неговият подход към рисуването е съвсем различен. Той казва, че методът му зависи от един вид обработка на информация, която често започва със снимка, тъй като рисуването от фотографии го отдалечава от истинското или истинското. "Защо една картина трябва да бъде истинна?" той пита.
Doig е направил няколко картини от стара пощенска картичка, която той купи в лондонски магазин за боклуци, който изобразява речна сцена в Индия. "Когато рисувам директно от природата", казва той, "прекалено се увличам в опитите да се оправя. Използването на фотография или пощенска картичка ми позволява просто да взема каквото искам, а останалите да оставя. Направих снимка на мъничкия гуру в пощенската картичка и направих още една снимка на това, и го взривих, така че се превърна в размазано петно, и аз рисувах от това, а той се превърна в нещо като брадат мъж, нещо мистериозно и черно. не знам дали е религиозна фигура или фанатик, но има нещо духовно в него. "
Той посочва платно с размери 9 на 12 крака от схематична фигура, която се катери на палма, прегръща багажника и наднича от абстрактна празнота от удари с четки, капки и пукнатини. "Тези капки и пукнатини са видове красиви неща в рисуването, които са уникални", казва той. "Вие рискувате и те ви се дават, но бих ги мразел да станат маниеризъм или трик." Фигурата обаче най-силно впечатли режисьора на Сайта Фе Фе Лора Хеон, когато картината беше показана на биеналето на музея през 2006 г. „В известен смисъл това е връщане към хуманизма“, казва тя. "Има нещо много щедро в правенето на картина на човек."
Основна ретроспектива на творчеството на Doig ще бъде открита в Tate Modern в Лондон през февруари.
Дана Шуц
В картините на Дана Шуц фалшивите и истинските трудно се различават. "Знам, че моите образи са конструирани, но вярвам в тях, когато рисувам", казва тя в ателието си в стара индустриална сграда, превърната кооператорите на художници в Бруклин. 30-годишният Шуц обича да създава фигури и да ги поставя в различни сценарии в поредица от картини, в които сякаш те поемат един собствен живот. Една такава поредица е от фигури, които тя нарича „самопояждащи се“ - съкратена форма на хора, които оцеляват, като се хранят с части от собствените си тела и след това реконструират себе си. Картините с техните фантастични изображения и това, което тя нарича „екстровертирани цветове“ - шпилки и червени, електрически лилави и зелени от джунглата - бяха възхвалени като нов експресионизъм и е лесно да ги интерпретирате от гледна точка на социалните неприятности - от анорексични модели на хищния консуматорство - или дори като проблясъци в психиката на художника. Но Шуц не е съгласен.
"Не съм експресионистка", протестира тя. "Тези картини не са за мен, изразявайки как се чувствам изобщо." Според нея самодоволците са изобразително решение; можете да ги разделете и да ги съберете отново. Сякаш те просто са станали материални. "
Но Шуц казва, че нейните картини понякога са вдъхновени от онова, което вижда в Интернет или се замисля по това време. „Искам тези картини да започнат някъде в общественото въображение, където хората се чувстват така, сякаш биха могли да знаят тази история, като пластична хирургия или производство-потребление или начините, по които си създаваме алтернативни истории за себе си“, казва тя. "Все повече се чувствам като най-радикалното нещо, което изкуството може да направи, е да дам на някого опит, който смята, че е непознат по някакъв начин."
За Шуц няма твърда граница между абстрактната и фигуративната живопис. "Не мисля за тях като за нещо отделно." В една нова картина на мъж и жена, шофиращи, фигурите в колата изглеждат почти пластични, сякаш се стопяват в горещ хавайски пейзаж. „Начинът, по който мисля за тях, “ казва тя, „е, че в бъдеще, ако ни погледнахте назад, кои характеристики ще останат по леко изкривен или обобщен начин?
„Може би пренастройваме фигурата“, продължава тя. "Правенето на картини за рисуване просто звучи лудо. Всичко, което говори за боята. Мисля, че художниците сега искат да имат смисъл и да имат ефект. Много е различен от 20-ти век."
Изложба на творчеството на Schutz се открива през ноември в Галерия за съвременно изобразително изкуство в Берлин, Германия.
Нео Раух
В Лайпциг 47-годишният немски художник Нео Раух влияе на поколение художници след студената война с двусмислени картини, които смесват реализма с фантазията, обикновеното с причудливото. Изхождайки от графичните стилове на комиксите и търговското изкуство на Източния блок, социалния реализъм на комунистическата Източна Германия, собствените си образни мечти и елементи от градския си пейзаж, Раух рисува вида фигури, които може да намерите в пропагандните плакати, но той ги поставя в сцени, които според него са "объркващо правдоподобни" - като някога познати и странни.
Раух описва своите картини като алегории с лична иконография, която остава частна. Наскоро той каза на интервюиращ за Нюйоркския музей на изкуствата в Метрополитън, че решенията му като художник могат да опровергаят причината - дори и неговата собствена. Но това, което включва в една картина, има своя собствена реалност, казва той, защото „въпреки цялото желание за интерпретация, рисуването трябва да запази привилегията да постави онова, което не може да бъде вербализирано в очевидна структура“. Раух описва своя процес на създаване на картина като борба за балансиране на разпознаваемото с онова, което е необяснимо. „За мен, каза той, „ рисуването означава продължение на една мечта с други средства “.
Понастоящем изложбата на творчеството на Рауч се разглежда в столичния музей на изкуствата в Ню Йорк (до 14 октомври).
Барнаби Фурнас
Барнаби Фурнас, подобно на възпитаничката на художественото училище в университета Колумбия Дана Шуц, е създал ателието си в преобразувано индустриално таванско помещение в Бруклин. Неговите картини, вдъхновени от френската живопис от края на 19-ти век, съчетават фигуративни елементи с техники, извлечени от графити и абстрактни експресионизми.
„Като тийнейджър, израснал в град Филаделфия, първо бях писател на графити“, казва той. "Изпаднах в какви ли не проблеми, арестувах се, но винаги съм имал един крак в час по изкуство." В крайна сметка бащата на приятел го заведе в някои художествени галерии в Ню Йорк. "Това наистина е единственият начин, по който дори бих разбрал, че светът на изкуството някога е съществувал", казва той.
34-годишният Фурнас рисува платна на пода, както направи Джаксън Полок. Но вместо да капе маслена боя à la Pollock, той създава локви на водна основа, които натрупва една върху друга, за да създаде форма. За поредица за Гражданската война той напълни спринцовка с червена акрилна боя, която шприцваше върху платна, за да представи кръв. "Маслата никога не биха изсъхнали навреме за начина, по който използвам боя", казва той, "плоско на земята, в локви. Много от това се връща към графити. Едно от нещата, които харесвах при графитите, е, че нарочно злоупотребява с материал. Можете да свалите капсули със спрей от един аерозол, да кажем например препарат за почистване на плотове, и да го поставите върху кутия за спрей за боя и да получите напълно различен ефект от дюзата .... Никога не съм се занимавал с молци или четки дори. Имам огромна колекция капачки за спрей, начинът, по който си представям, че някои маслени художници имат четки. В моята работа има нещо като волна смес от това, което има в магазина за хардуер и какво има в магазина за изкуство. "
В художественото училище в Колумбия Фурнас се оказва, че се бунтува срещу по-старо поколение учители, които според него са „концептуални и постмодерни художници, почти няма художници“. Той виждаше рисуването като акт на самоизразяване, което не беше на мода. Той също така искаше работата му да бъде достъпна за зрителите, без да има нужда академиците да я интерпретират. "Не исках тези хора в черни костюми да говорят за моята работа", казва той. "Не исках посредник." Той решава да се върне към семената на модернизма, казва той, към Курбет и Жерико и Мане, към картината на френската история от края на 19 век. Успях да преосмисля жанра и да се справя с него по различен начин. Така че съм станал такъв тип модерни шопски магазини! "
Изложба на творбите на Furnas е насрочена за пролетта в галерията Stuart Shave / Modern Art в Лондон.
Катрин Лий
В стара казармена казарма, направена в ателиета на художниците в колежа на Санта Фе, 22-годишната Катрин Лий се чуди как ще изглежда нейното жично поколение на изкуството. "Ние четем толкова много моментални визуални съобщения в наши дни", казва тя, "като реклами - прочетете и получете - и искам картина да е интересна по-дълго от комерсиална почивка. Мисля, че има страх от разказ и то идва от идеята за „получаване“. Хората са толкова свикнали да рекламират, че искат това, което виждат в картина, да бъде предварително обмислено от някой друг. Но рекламата върши толкова добра работа, че може би трябва да намерите нова стратегия. "
Загадъчен, почти черен пейзаж с петна от далечна светлина е прикован към стената на студиото на Лий. Той има мрачната атмосфера и дълбочина на пейзажа от 19-ти век, но Лий го рисува от няколко снимки, използвайки смес от графит, масла и кутии от спрей боя. Тъмната зеленина предполага джунгла или гора, а има нещо, което прилича на червен чадър насред всичко това. Но няма хора. Трудно е да знаеш нещо за сцената, което е точно това, което тя иска. „Този чадър в гората подсказва, че нещо се случва“, казва тя. "Харесва ми идеята, че всичко действа като потенциално съдържание. Наистина не мисля за това какво означава, когато го правя, защото знам, че ще има свой собствен смисъл."
Когато рисува човешки фигури, като в маслено и графитно изображение на романтична двойка, която тя нарича Без любов, Лий иска боята да заинтересува зрителя толкова, колкото изображението. "Това не е точно образно рисуване", казва тя, "защото всъщност не става въпрос за тези хора. Когато започнах да рисувам, тя наистина беше само за фигурата, но доста скоро това изглеждаше прекалено плоско. Наистина се разочаровах и някак си унищожена по-голямата част от картината, а след това беше доста по-добре. Взех четка и просто насилително размазах всичко. Абстрахирайки всичко до такава степен, картината става отворена, тя придобива много потенциално съдържание, за разлика от изричното обясняване на себе си. "
Картините на Катрин Ли ще бъдат гледани в театрално шоу в галерията на изящните изкуства на колежа на Санта Фе през май.
Елизабет Нийл
Елизабет Нийл, 32-годишна, наскоро завършила Училището по изкуствата на Университета Колумбия, е художник, чието произведение добавя към новото вълнение от съвременната живопис, която съчетава абстракцията и представителността. В нейното ателие в Бруклин платна са покрити с големи абстрактни мазки, напомнящи де Коонинг, но в тях са включени фигурите, които един художник като Матис би могъл да си представи. Нийл казва, че нейната собствена чувствителност е оформена от потопа от образи около нея, от реклама и телевизия до филми, видеоклипове и интернет. „Ние сме потребители на изображения почти от деня, в който сме се родили“, казва тя и смята, че сега изкуството трябва да се справи с тази среда.
Внучка на художника на фигуративни художници от 20-ти век Алис Нийл, Елизабет често сърфира в Интернет за изображения, преди да започне да рисува. Тя не проектира снимки върху платно, а прави скици на изображенията, които иска да използва. Понякога, според нея, чисто формалните аспекти на правенето на картина - например мащаба на нейните четки, могат да променят интереса й към картината и да я изпратят обратно в Интернет за нови образи и идеи. „Мисля, че рисуването може да има прекрасна двойственост; може да бъде за себе си и може да бъде за света“, казва тя, „и това е добър пасаж в картината, когато това се случи“.
Британският колекционер Чарлз Саачи е закупил няколко картини на Нийл и включва някои от тях в продължаващата си поредица от изложби „Триумфът на живописта“ в лондонската му галерия. Нийл ще има самостоятелно шоу в Deitch Projects в Ню Йорк през пролетта на 2008 г. Нейната работа може да бъде видяна на уебсайта на Deitch Projects.
Писателят и художник Пол Трахтман живее в Ню Мексико. Статията му за дадаистите излиза през май 2006 г. Смитсониан.
